Sanatçı için ‘en verimli dönem’in anlamı
Sanatçının ilk yapıtıyla son yapıtı arasındaki ilişki nedir? Sanatçının en verimli dönemi ve sanatçının geç dönem üslubu ne anlama gelir? Bütün bunların yanıtı, New York'taki bir sergide bir araya geliyor.
‘The Prime of Your Life’ (Hayatınızın En Verimli Dönemi) adlı sergi, 75 yaş üstü 18 kadın sanatçı için tanınırlığın ve piyasa başarısının ne anlama geldiğini irdeliyor.
Linda Nochlin, 2008 tarihli “Old-Age Style: Late Louise Bourgeois” (Yaşlılık Üslubu: Louise Bourgeois’nın Geç Dönemi) başlıklı makalesine şu soruyla başlar: “‘Yaşlılık üslubu’ nedir? ‘Geç dönem üslubu’ ile aynı şey midir?”
Bir sanat eserine ilişkin kavrayışımız sanatçının yaşıyla birlikte evrildiğinden, bu makale Bourgeois’nın yedi on yıla yayılan kariyeri boyunca koruduğu estetik anlayışını ve ilgi alanlarını, özellikle de eserlerindeki yumuşak ve sert niteliklere odaklanarak inceler.
Saygın feminist sanat tarihçisi Nochlin, bir sanatçının kariyerinin başlarında ürettiği bir eser ile yaşamının son döneminde ortaya koyduğu bir eser arasındaki ilişki üzerine düşünür ve ikincisinin, ilki hakkındaki anlayışımızı ya da yorumumuzu nasıl değiştirdiğini sorgular.
Filistin asıllı Amerikalı edebiyat kuramcısı Edward Said’den esinlenen Nochlin, şu sonuca varır: “Geç dönem üslupları, sanat nesnesini bir arada tutan tüm o rahatlatıcı geçişleri ve estetik bağları terk eder; bunun yerine kopukluklar, uçurumlar, sarsılmaz bir yerinden edilmişlik ve çözüme kavuşmamış çelişkilerle uğraşır.”
Başka bir deyişle, geç dönem üslupları bizi, sanatçının biyografisiyle bağlantılı olsun ya da olmasın, sanatçının odak noktasındaki —daha önceki eserlerine dair tarihsel değerlendirmelere kolayca sığmayan— değişimler ve kırılmalarla yüzleşmeye zorlar.
Nochlin’in “geç dönem üslubu” tanımı, New York’taki Marc Straus Gallery’de izleyiciyle buluşan “The Prime of Your Life” adlı sergiyi anlamak için bir anahtar sunuyor.
75 yaş üstü 18 kadın sanatçıyı bir araya getiren bu sergi; malzeme, mesele ve elbette üslup açısından bir kakofoni oluşturuyor.
Resim, çizim, heykel ve yerleştirme gibi çok farklı ölçek, biçim ve tekniklere sahip eserler, uyumlu bir bütünlükten ziyade, birbirine yanıt veren bir çağrışımlar dizisi olarak bir araya geliyor.
Sanatçıları yalnızca yaşları üzerinden bir araya getiren bu sergideki eserler, kuşaksal bir beyandan ziyade, 21. yüzyıl feminist sanat tarihine ilişkin kritik bir soru ortaya atıyor: Eserleri ancak ileri yaşlarında piyasa ve müzeler tarafından değer görmeye başlayan bir kadın sanatçı için “en verimli dönem” (prime) ne anlama gelir?
Marina Abramović’in “Standing with Skeleton” (İskeletle Ayakta, 2008/2016) adlı fotoğrafı, bu soruyu gündeme getiriyor.
Galerinin girişine yakın bir noktada yer alan bu büyük ölçekli çalışma, Abramović’i simsiyah bir arka plan önünde, üzerinde fildişi renginde bir iskeletle gösteriyor.
Sanatçı, 50 yılı aşkın kariyeri boyunca performans odaklı işlerinde neredeyse her zaman kendi bedenini kullanmış; incelikli yaklaşımlar yerine doğrudan yüzleşmeyi tercih etmiştir.
Bunu, kariyerinin zirvesi kabul edilen ve müze saatleri boyunca karşısındaki kişiyle bakıştığı, 2010 tarihli epik performansı ve sergisi The Artist is Present (Sanatçı Burada) ile son derece şiirsel bir biçimde ortaya koymuştu.
Abramović’in canlı performanslarındaki disiplin ve tutkuyla kıyaslandığında, bu fotoğraf en iyi ihtimalle cansız, en kötü ihtimalle ise sanatçının pratiğinin bir parodisi gibi hissettiriyor; iskelet, yaşlılığa dair hüzünlü bir tefekkürden ziyade, Cadılar Bayramı’na özgü eğlenceli bir dekoru andırıyor.
Abramović’in diğer işlerinin gücünü bilmek, bu eseri komik bir taklit (pastiş) gibi görmemize mi yol açıyor? Kıyaslama yapmak adil mi? Daha zayıf ve geç dönem bir eser, daha güçlü, kışkırtıcı ve yenilikçi olan önceki bir eserin etkisini azaltır mı? “Standing with Skeleton”ın gerçekten bir “geç dönem” eseri olduğunu nasıl anlayabiliriz? Belki de 79 yaşındaki Abramović, henüz asıl zirvesine yeni ulaşıyordur ve önünde yepyeni bir üretim dönemi vardır.
Sergi, “en iyi dönem” (prime) kavramını tanımlamıyor; bu terimi ve 18 sanatçı özelindeki karşılığını yoruma açık bırakıyor. Sergideki eserlerin çoğu, zamanı —zamanın akışını ve bakış açısını nasıl şekillendirdiğini— açıkça ele alıyor. Rose Wylie’nin aciliyet ve samimiyet taşıyan Opera Singer and Teapot (Opera Sanatçısı ve Çaydanlık, 2024) adlı resmi, Lynn Hershman Leeson’ın titiz çizimi Wrinkles in Time (Zamandaki Kırışıklıklar, 2022) veya Judy Chicago’nun didaktik litografisi Old (Yaşlı, 2012) bu yaklaşımın örnekleri arasında yer alıyor. Bu eserler, yaşı yalnızca bir olgunluk evresi olarak değil, bir dönem olarak ele alıyor; kişinin yaşam yıllarını, dış görünüş ve algılanma biçimleriyle ilişkili olarak geniş bir perspektiften inceliyor.
Zaman’a ilişkin daha şiirsel ve dolaylı göndermeler içeren çalışmalar arasında, Judy Pfaff’ın Cockatrice (2023) adlı özlü yerleştirmesi dikkat çekiyor. Sanatçı, burada kullandığı yanardöner disko topu ışıltısıyla hem belirli bir dans dönemini anımsatıyor hem de ışık değişimlerinin zamanı nasıl imlediğini gözler önüne seriyor.
Benzer şekilde, Michele Oka Doner’in Primal (2007) adlı eseri, el yapımı kâğıt üzerine yerleştirilmiş organik malzemelerle cinsiyetsiz bir figürün ana hatlarını çizip içini seyrek bir biçimde dolduruyor; bu çalışma, hem tıbbi bir vücut şemasını hem de anatomilerin zaman içinde nasıl evrilip nihayetinde çürüdüğünü çağrıştırıyor.
Ancak zaman kavramını belki de en güçlü biçimde hissettirenler; Brenda Goodman’ın Digging Deep (2026), Dindga McCannon’ın The Brown Sisters - Shades of the Rainbow (2024) veya Frances Barth’ın Family (2025) adlı eserlerinde olduğu gibi, soy, süreklilik ya da aile kavramlarına incelikle işaret eden çalışmalardır. Bu sanatçıların tümü, zamanla dolaylı bir ilişki kurar; nitekim Goodman’ın kaba dokulu, katmanlı yüzeyi ve arkeolojiye gönderme yapan başlığı, McCannon ve Barth’ın eserlerindeki miras çağrışımları da bunu destekler niteliktedir.
Muriel Spark’ın 1961 tarihli The Prime of Miss Jean Brodie (Bayan Jean Brodie’nin En Parlak Dönemi) adlı romanında, Bayan Jean Brodie şöyle der: “Bana etkilenmeye açık yaştaki bir kız çocuğu verin, ömür boyu benim olsun.” Spark, genel hatlarıyla etkinin faydalarını ve tehlikelerini irdelerken, günümüz dijital çağında etkinin nasıl baskın bir güç haline geleceğini de adeta önceden sezer. Bayan Brodie’nin gücü, sınıfındaki kız çocuklarının şekillenmesini sağlar ve onların hayatları boyunca kim olacaklarını belirler.
Dolayısıyla “en parlak dönem” (prime) kavramı, sadece gençlikle sınırlı değildir —gerçi günümüzde hem popüler kültürde hem de sanat piyasasında gençlik çok değerlidir; tabii eğer bir kadın değilseniz.
Bir kadınsanız, piyasadaki “en parlak döneminiz” muhtemelen orta veya ileri yaşlarda, belki 75 yaş ve sonrasında gerçekleşebilir; oysa sosyal açıdan “en parlak döneminiz” daha çok gençlikle ilişkilendirilebilir.
Yine de burada sergilenen en güçlü eserler, sanat piyasasına sessizce giriş yapan ancak günümüzün genç sanatçıları üzerinde büyük bir etki bırakan iki sanatçıya, Mia Westerlund Roosen ve Sonia Gomes’e ait. Her ikisi de malzemeyi, sergi alanında fiziksel boyutlarından çok daha büyük hissettiren, biyomorfik veya yumuşak dokulu formlara dönüştürüyor. Bu yaklaşımları, heykel sanatında evsel ya da endüstriyel malzemelerle çalışan ve henüz “en parlak dönemine” ulaşmamış pek çok sanatçının pratiğiyle de bağ kuruyor.
Mia Westerlund Roosen, “Petal Piece” (1986), alçı hamuru ve enkaustik (mum bazlı boya)
Bununla birlikte, sergideki en naif ve belki de en etkileyici eser, bu yılın başlarında hayatını kaybeden Mary Heilmann’ın, vefatından hemen önce yaptığı samimi Mecox (2026) adlı tablosudur.
Parlak mavi ve yeşil tonlarıyla bu eser, kıyıya vuran bir dalganın kuş bakışı görünümünü anımsatır; ki bu da zamanın sürekliliğini simgeleyen, köklü bir metafordur. Artık biliyoruz ki Mecox, Linda Nochlin’in yaklaşımı bağlamında değerlendirildiğinde, sanatçının ileri yaş dönemine ait bir eserdir (Heilmann, bu yılın ağustos ayında 86 yaşında vefat etti).
Ancak bu aynı zamanda Heilmann’ın; renk, jest ve biçim konusundaki tüm yetkinliğini sergileyen; çocukluğunun geçtiği Kaliforniya kıyılarından başlayarak hayatı boyunca çevresindeki dünyadan, oradaki manzaralardan ve duygulardan nasıl beslendiğini gösteren en önemli eserlerinden biridir.
Küçük ama etkileyici bir tablo olan “Mecox”, Heilmann’ın ileri yaşlarında dahi süren etkisini gözler önüne sererken, bir insanın hayatındaki “en parlak dönemin”, belirli bir yaş aralığının çok daha ötesine uzanabileceğini kanıtlıyor.
Leah Triplett
Harrington
Gercekedebiyat.com
Yorumlar
Bu içeriğe henüz yorum yapılmamış. İlk yorumu siz yazın.